APUNTES DEL III FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO UNIPERSONAL "NI TAN SOLOS"
CELESTINA
Vieja sabia y cómplice de amor
(MAYTE AGIRRE - ESPAÑA)
Celestina, Puta Vieja y Alcahuetera se inicia con la atmósfera festiva de una taberna de cualquier lugar, en la que Celestina anima a libar a los parroquianos que se encuentran en las mesas; estos parroquianos son gente del publico instalada expresamente por la propuesta en el escenario, elemento que sirve de pretexto para que Celestina se anime a compartir con ellos y con nosotros los espectadores de la cuarta pared su sabiduría sobre la vida y el amor a través de la historia de Calisto y Melibea. Poco a poco la vieja Celestina ira soltando la madeja de la historia a unos espectadores ávidos por conocer sobre los entuertos de la trágica pareja.
Unipersonal inspirado en la obra que lleva el nombre del personaje de Celestina cuyo autor seria Fernando de Rojas; guarda de esta obra el tono tragicomico con que se cuenta la historia de estos dos jovenes enamorados ( Calisto y Melibea) que en boca de esta Celestina trasciende la anécdota para hablarnos de los placeres del amor y de su imposibilidad de perpetuarse en el tiempo.
Uno de los aspectos mas destacados de la obra es la caracterizacion de los personajes a traves del lenguaje; Maite Agirre, la actriz utiliza fragmentos dichos por Celestina o por otros personajes de la obra de Rojas acerca de ella y que puestos en el discurso narrativo de Celestina, puta vieja y alcahuetera le dan otra dimension siendo el elemento que engancha al publico con la historia a traves de su deseo de seguir la narracion en voz de esta mujer. La actriz dice muy bien estos textos tan ricos en imágenes y musicalidad. Los personajes nobles como Calisto y Melibea se expresan con delicadeza y elocuencia, mientras que la Celestina utiliza un lenguaje popular lleno de refranes y frases hechas.
La utilización de la música elemento que recoge la caracteristica festiva del teatro se da a través de el uso de instrumentos muy españoles y de la voz de la actriz que nos trae a la memoria la influencia morisca tan presente en la cultura popular española y se convierte en elemento de catarsis y trance de esta vieja zorra que vuelve del mas allá “ para ayudar a los vivos con sus consejos”.
Desde la dramaturgia todo marcha bien en la narracion de las pericias ue tiene que pasar esta Celestina para lograr su cometido: unir a estos dos enamorados, pero es en la resolucion de esta historia central, la narrada por el personaje que se precipitan los acontecimientos sineod muy rapida su resolucion pierde un poco la atencion del espectador que logra retomar en la historia marco ( esta mujer que regresa del mas alla para hablanos) con la Celestina que en esta comlicidad con el publico se ofrece a brindarles sus servicios las 24 horas del dia, retomando el espacio y el tiempo de la escena y la relacion directa con el publico se despide en la atmosfera festiva del inicio para beneplacito del espectador.
Finalmente, creo que Celestina, puta vieja y alcahuetera, logra su cometido de entretener al publico con la historia de este personaje clasico del teatro español y lo trae a la actualidad en el que las dolencias y los placeres que el amor nos brinda no han desaparecido ofreciendose ella, Celestina, como la sabia consejera que todo mortal debe tener y poniendo de manifiesto la vigencia de este texto tan exuberante en conocimiento mundano. ( Daisy Sanchez Bravo – 25/11/06)
SOMBRAS
De memorias y maduraciones
PATRICIA NOVOA - PERU)
En el inicio de la obra vemos a este personaje medio andrógino que llega del plano de la evocación, de la bruma, del pasado o al pasado; este nivel evocativo y los monólogos iniciales despiertan nuestra curiosidad por conocerlo mejor, saber quien es y cual es su historia.
En su interacción con el público; si bien por momentos resultaba reiterativa la manera como nos contaba esta historia de la migración y el regreso se lograba sostener por sus textos graciosos y la complicidad con el público. Hasta aquí, la propuesta del espectáculo nos plantea una convención de signos que nos deberían permitir leer lo que sigue del espectáculo ( es decir el desarrollo) y nos debería conducir por una concepción del espectáculo hasta el final; esto no sucede. El espectáculo apela a un trabajo que enfatiza lo físico del recuerdo sin aclararnos de quien se trata realmente ( es la actriz, es Olga como dice la sinopsis del programa o el migrante como concepto tan general como amplias son las experiencias culturales que plantea la actriz en escena), entonces nuestro interés en al obra decae pues no se logra satisfacer las preguntas que se abren al principio del espectáculo.
El espectáculo se convierte en una especie de ritual en el que se exorcizan fantasmas, recuerdos y conflictos desde una perspectiva poética plástica, pero que no es lo suficientemente fuerte a nivel dramatúrgico apelando a una serie de signos de nuestro inconsciente colectivo: agua, el barro, la imaginería religiosa, los elementos de un teatro pobre que deberían ser como signos fuertes, pero que no llegan a despegar y potenciarse; creo yo que la causa esta en este cambio de convenciones en el desarrollo de la obra.
En la propuesta del ritual habría que señalar que lo que nos llega son fragmentos de una totalidad que no logra su unidad y ese ritmo in creciendo para hacernos entrar en la catarsis y el trance del iniciado. Personalmente, creo que es un espectáculo que se encuentra en un nivel de exposición de sus materiales y que se hace necesario un proceso de decantación y selección de los materiales para lograr una dramaturgia mas clara en la convención que elija la actriz interprete.
En conclusión, estamos frente a una actriz con una buena técnica, que necesita replantear las convenciones escénicas que presenta al espectador ( para ello sería bueno otra mirada, quizás la de un director), los elementos para una dramaturgia más sólida que nos defina mejor el personaje o personajes sobre los que gira la historia que nos trae. ( Daisy Sanchez Bravo – 25/11/06)
GILALDO SAMPOS
Violencia, magia y entrega.
(RODRIGO RODRIGUEZ - COLOMBIA)
Trabajo bastante completo; de intensa dramaturgia y desempeño escénico. Usa los elementos escénicos: mascaras, vestuario y elementos escenográficos de una manera creativa y una caracterización de los personajes efectiva en su composición física y vocal.
Gilaldo Sampos aparece en el inicio con esta imagen fuerte del hombre de campo ensangrentado y agitado que con su sola presencia despierta nuestra curiosidad: ¿Quién es? ¿De donde viene? ¿A quien a matado o quien lo ha herido? Es este campesino que llega a la puerta de la parroquia del pueblo para pedir asilo y apoyo. Giraldo nos cuenta al imaginario párroco y a nosotros su historia plagada de violencia, de risas y de llantos; historia que por lo demás no nos es ajena y que es la base sobre la que sustenta la espira de violencia en América Latina: familias disfuncionales, violencia familiar, desgracias e iras contenidas que luego se desatan y sumen todo en una debacle social.
Aristóteles nos dice que en las obras los personajes pueden ser mejores, peores o iguales a los hombres. Rodrigo Rodríguez nos pone en la disyuntiva entre si somos peores o iguales a l universo que nos presenta en escena; hasta que punto todo lo que hacemos esta teñido de violencia y nos encontramos riendo porque nos reconocemos? Por nerviosismo? O por incomodidad?
En la historia que nos cuenta Gilaldo el tono trágico le gana a lo tragicómico por esta sensación de predestinación para la desgracia; nos hace respirar una atmósfera de realismo mágico.... como definía el propio Alejo Carpentier el realismo mágico ( se dice que el acuño este concepto) “ En América Latina, lo maravilloso se encuentra a la vuelta de cada esquina, en el desorden, en lo pintoresco de nuestras ciudades.... en nuestra naturaleza... y también en nuestra historia.” Los elementos misteriosos, extraños, esa atmósfera exenta de aire, gente que nunca se mira a la cara, que no dialoga.. un universo creado, pero en el que nos vemos reflejados.
Estamos ante una obra que conjuga lo mejor del realismo mágico pero que no se queda en lo puramente narrativo sino que nos entrega la riqueza de una teatralidad escénica, de construcción de personajes, de ritmo y de sorprendente desenlace ( Gilaldo en un arranque de celos decide matar a su mujer y por equivocación mata a su propia madre) que justifica el final del personaje. Es una obra que muestra el rostro mas verdadero de una Colombia que aun se debate por la violencia interna, un realismo mágico que la hace vibrar y resplandecer y la experiencia y el arte de un actor que se compromete con su oficio y con su sociedad.
( Daisy Sanchez Bravo – 25/11/06)
CANTO A LOS SANTOS
De maestros y santos
(PILAR NUÑEZ - PERU)
¿Qué podemos decir de Pilar Nuñez? En primer lugar que estamos ante una maestra en el arte teatral. En segundo lugar que en Canto a los Santos comparte con nosotros una experiencia real de iniciación en la santeria y el camino espiritual y hace gala de todo un despliegue de virtuosismo en su interpretación de pregones, canciones y narración de su historia con tal intensidad y entrega que nos envuelve en este ritual de la ceremonia a los santos.
El escenario en primera instancia da muestras de un trabajo en detalle de cada elemento visual, auditivo y olfativo ( si porque también podemos percibir olores) que desde antes de la entrada de la actriz nos van preparando la atmósfera para este canto a los santos. Pilar entra y se pasea entre el publico con estos pregones que enfatizan la atmósfera creada con el olor a eucalipto, las voces de los pregones y la presencia de una actriz de una calidad de energía impresionante.
Este pequeño altar que es el universo creado en el escenario se va llenado poco a poco con la energía de esta actriz que invoca a los santos, nos va contando el periplo de este descubrimiento de la santeria y como esta experiencia le permite trascender y encontrar su propio camino. La intensidad de su trabajo esta marcado por dos planos: el de su trabajo escénico y el de la historia intima que se entrega al publico como un ofrecimiento muy personal.
La sensación que se experimenta es la de estar pegado a sus asientos tocados por esta voz tan especial, mecidos y arrullados por ella. Son los pequeños raccontos o recuerdos que nos van llevando por este camino de iniciación, de conocimiento, de sabiduría. Esta gran energía nunca decae se mantiene firme hasta el final sorprendiéndonos con la canción del epilogo con una energía muy alta y una alta codificación sólo apta para nuestros sentidos.
OLOR A CAFÉ O QUE LE PASO A NUESTROS SUEÑOS
(IVAN GORDILLO - MEXICO)
Entre el stand up comedy y el unipersonal, Iván Gordillo nos presenta un espectáculo que parte de la vida cotidiana, fantasías y sueños de este actor para a través del humor negro, la ironía y el juego hacernos reír y pensar a más de uno. Tengo que confesar que tuve muy poco tiempo para mirar con ojo critico lo que veía pues esta vez sí le pusieron el cascabel al gato y; o disfrutaba lo que me ofrecía la propuesta de Iván o me la perdía; elegí la primera opción y no me arrepiento.
Olor a café solo adquiere su real dimensión en a escena final, en la que vemos al personaje en su juventud rebelde e iconoclasta que mas adelante se convertirá en uno mas del montón que ambiciona dinero, poder y posición. Contraste paradójico que a mas de uno entre risas abiertas habrá hecho reflexionar.
El actor se mueve en un escenario de poco elementos que se llena con la presencia del actor y sus múltiples transformaciones. Quizá un elemento que ralentaba el espectáculo era el uso de demasiados apagones. Los momentos mejores logrados los encontramos en la historia de este personaje – actor de boca de el mismo. El de menor logro se encuentra en el amigo artista que lo anima a hacer la película de su dramatica experiencia en el avión que se estrello.
Iván le habla al público y abre la caja de Pandora mostrando hasta su ultimo secreto, no guardándose nada ni siquiera sus reflexiones mas oscuras y escabrosas. La comedia nos muestra con todas nuestras imperfecciones como ante una lupa, haciendo de nosotros casi una caricatura puede hablarnos de todo sin el menor desparpajo y mientras reímos ya nos mandaron nuestra chiquita sin darnos cuenta ( nos zurraron); Gordillo hace eso “ sin querer queriendo” se va al otro extremo donde todo es posible y esta admitido y, nos revela nuestra indiferencia, superficialidad y ambición sin sentido.
El ritmo para ello es frenético, el actor se confiesa ante el publico, ventilando todo hasta aquello que es inconfesable es por ello la risa; el logra verbalizar aquello que nosotros solo guardamos en el pensamiento o en el corazón. Es allí donde radica el valor de esta puesta; porque en lugar de elegir la risa fácil, la identificación inmediata y una lectura simple; va mas allá y sin dejar el entretenimiento da una mirada al casi irremediable camino entre la rebeldía idealista y la realidad que sin concesiones te alinea en la cola de los divinos, exitosos y solitarios. ( Daisy Sanchez Bravo – 26/11/06)
CELESTINA
Vieja sabia y cómplice de amor
(MAYTE AGIRRE - ESPAÑA)
Celestina, Puta Vieja y Alcahuetera se inicia con la atmósfera festiva de una taberna de cualquier lugar, en la que Celestina anima a libar a los parroquianos que se encuentran en las mesas; estos parroquianos son gente del publico instalada expresamente por la propuesta en el escenario, elemento que sirve de pretexto para que Celestina se anime a compartir con ellos y con nosotros los espectadores de la cuarta pared su sabiduría sobre la vida y el amor a través de la historia de Calisto y Melibea. Poco a poco la vieja Celestina ira soltando la madeja de la historia a unos espectadores ávidos por conocer sobre los entuertos de la trágica pareja.
Unipersonal inspirado en la obra que lleva el nombre del personaje de Celestina cuyo autor seria Fernando de Rojas; guarda de esta obra el tono tragicomico con que se cuenta la historia de estos dos jovenes enamorados ( Calisto y Melibea) que en boca de esta Celestina trasciende la anécdota para hablarnos de los placeres del amor y de su imposibilidad de perpetuarse en el tiempo.
Uno de los aspectos mas destacados de la obra es la caracterizacion de los personajes a traves del lenguaje; Maite Agirre, la actriz utiliza fragmentos dichos por Celestina o por otros personajes de la obra de Rojas acerca de ella y que puestos en el discurso narrativo de Celestina, puta vieja y alcahuetera le dan otra dimension siendo el elemento que engancha al publico con la historia a traves de su deseo de seguir la narracion en voz de esta mujer. La actriz dice muy bien estos textos tan ricos en imágenes y musicalidad. Los personajes nobles como Calisto y Melibea se expresan con delicadeza y elocuencia, mientras que la Celestina utiliza un lenguaje popular lleno de refranes y frases hechas.
La utilización de la música elemento que recoge la caracteristica festiva del teatro se da a través de el uso de instrumentos muy españoles y de la voz de la actriz que nos trae a la memoria la influencia morisca tan presente en la cultura popular española y se convierte en elemento de catarsis y trance de esta vieja zorra que vuelve del mas allá “ para ayudar a los vivos con sus consejos”.
Desde la dramaturgia todo marcha bien en la narracion de las pericias ue tiene que pasar esta Celestina para lograr su cometido: unir a estos dos enamorados, pero es en la resolucion de esta historia central, la narrada por el personaje que se precipitan los acontecimientos sineod muy rapida su resolucion pierde un poco la atencion del espectador que logra retomar en la historia marco ( esta mujer que regresa del mas alla para hablanos) con la Celestina que en esta comlicidad con el publico se ofrece a brindarles sus servicios las 24 horas del dia, retomando el espacio y el tiempo de la escena y la relacion directa con el publico se despide en la atmosfera festiva del inicio para beneplacito del espectador.
Finalmente, creo que Celestina, puta vieja y alcahuetera, logra su cometido de entretener al publico con la historia de este personaje clasico del teatro español y lo trae a la actualidad en el que las dolencias y los placeres que el amor nos brinda no han desaparecido ofreciendose ella, Celestina, como la sabia consejera que todo mortal debe tener y poniendo de manifiesto la vigencia de este texto tan exuberante en conocimiento mundano. ( Daisy Sanchez Bravo – 25/11/06)
SOMBRAS
De memorias y maduraciones
PATRICIA NOVOA - PERU)
En el inicio de la obra vemos a este personaje medio andrógino que llega del plano de la evocación, de la bruma, del pasado o al pasado; este nivel evocativo y los monólogos iniciales despiertan nuestra curiosidad por conocerlo mejor, saber quien es y cual es su historia.
En su interacción con el público; si bien por momentos resultaba reiterativa la manera como nos contaba esta historia de la migración y el regreso se lograba sostener por sus textos graciosos y la complicidad con el público. Hasta aquí, la propuesta del espectáculo nos plantea una convención de signos que nos deberían permitir leer lo que sigue del espectáculo ( es decir el desarrollo) y nos debería conducir por una concepción del espectáculo hasta el final; esto no sucede. El espectáculo apela a un trabajo que enfatiza lo físico del recuerdo sin aclararnos de quien se trata realmente ( es la actriz, es Olga como dice la sinopsis del programa o el migrante como concepto tan general como amplias son las experiencias culturales que plantea la actriz en escena), entonces nuestro interés en al obra decae pues no se logra satisfacer las preguntas que se abren al principio del espectáculo.
El espectáculo se convierte en una especie de ritual en el que se exorcizan fantasmas, recuerdos y conflictos desde una perspectiva poética plástica, pero que no es lo suficientemente fuerte a nivel dramatúrgico apelando a una serie de signos de nuestro inconsciente colectivo: agua, el barro, la imaginería religiosa, los elementos de un teatro pobre que deberían ser como signos fuertes, pero que no llegan a despegar y potenciarse; creo yo que la causa esta en este cambio de convenciones en el desarrollo de la obra.
En la propuesta del ritual habría que señalar que lo que nos llega son fragmentos de una totalidad que no logra su unidad y ese ritmo in creciendo para hacernos entrar en la catarsis y el trance del iniciado. Personalmente, creo que es un espectáculo que se encuentra en un nivel de exposición de sus materiales y que se hace necesario un proceso de decantación y selección de los materiales para lograr una dramaturgia mas clara en la convención que elija la actriz interprete.
En conclusión, estamos frente a una actriz con una buena técnica, que necesita replantear las convenciones escénicas que presenta al espectador ( para ello sería bueno otra mirada, quizás la de un director), los elementos para una dramaturgia más sólida que nos defina mejor el personaje o personajes sobre los que gira la historia que nos trae. ( Daisy Sanchez Bravo – 25/11/06)
GILALDO SAMPOS
Violencia, magia y entrega.
(RODRIGO RODRIGUEZ - COLOMBIA)
Trabajo bastante completo; de intensa dramaturgia y desempeño escénico. Usa los elementos escénicos: mascaras, vestuario y elementos escenográficos de una manera creativa y una caracterización de los personajes efectiva en su composición física y vocal.
Gilaldo Sampos aparece en el inicio con esta imagen fuerte del hombre de campo ensangrentado y agitado que con su sola presencia despierta nuestra curiosidad: ¿Quién es? ¿De donde viene? ¿A quien a matado o quien lo ha herido? Es este campesino que llega a la puerta de la parroquia del pueblo para pedir asilo y apoyo. Giraldo nos cuenta al imaginario párroco y a nosotros su historia plagada de violencia, de risas y de llantos; historia que por lo demás no nos es ajena y que es la base sobre la que sustenta la espira de violencia en América Latina: familias disfuncionales, violencia familiar, desgracias e iras contenidas que luego se desatan y sumen todo en una debacle social.
Aristóteles nos dice que en las obras los personajes pueden ser mejores, peores o iguales a los hombres. Rodrigo Rodríguez nos pone en la disyuntiva entre si somos peores o iguales a l universo que nos presenta en escena; hasta que punto todo lo que hacemos esta teñido de violencia y nos encontramos riendo porque nos reconocemos? Por nerviosismo? O por incomodidad?
En la historia que nos cuenta Gilaldo el tono trágico le gana a lo tragicómico por esta sensación de predestinación para la desgracia; nos hace respirar una atmósfera de realismo mágico.... como definía el propio Alejo Carpentier el realismo mágico ( se dice que el acuño este concepto) “ En América Latina, lo maravilloso se encuentra a la vuelta de cada esquina, en el desorden, en lo pintoresco de nuestras ciudades.... en nuestra naturaleza... y también en nuestra historia.” Los elementos misteriosos, extraños, esa atmósfera exenta de aire, gente que nunca se mira a la cara, que no dialoga.. un universo creado, pero en el que nos vemos reflejados.
Estamos ante una obra que conjuga lo mejor del realismo mágico pero que no se queda en lo puramente narrativo sino que nos entrega la riqueza de una teatralidad escénica, de construcción de personajes, de ritmo y de sorprendente desenlace ( Gilaldo en un arranque de celos decide matar a su mujer y por equivocación mata a su propia madre) que justifica el final del personaje. Es una obra que muestra el rostro mas verdadero de una Colombia que aun se debate por la violencia interna, un realismo mágico que la hace vibrar y resplandecer y la experiencia y el arte de un actor que se compromete con su oficio y con su sociedad.
( Daisy Sanchez Bravo – 25/11/06)
CANTO A LOS SANTOS
De maestros y santos
(PILAR NUÑEZ - PERU)
¿Qué podemos decir de Pilar Nuñez? En primer lugar que estamos ante una maestra en el arte teatral. En segundo lugar que en Canto a los Santos comparte con nosotros una experiencia real de iniciación en la santeria y el camino espiritual y hace gala de todo un despliegue de virtuosismo en su interpretación de pregones, canciones y narración de su historia con tal intensidad y entrega que nos envuelve en este ritual de la ceremonia a los santos.
El escenario en primera instancia da muestras de un trabajo en detalle de cada elemento visual, auditivo y olfativo ( si porque también podemos percibir olores) que desde antes de la entrada de la actriz nos van preparando la atmósfera para este canto a los santos. Pilar entra y se pasea entre el publico con estos pregones que enfatizan la atmósfera creada con el olor a eucalipto, las voces de los pregones y la presencia de una actriz de una calidad de energía impresionante.
Este pequeño altar que es el universo creado en el escenario se va llenado poco a poco con la energía de esta actriz que invoca a los santos, nos va contando el periplo de este descubrimiento de la santeria y como esta experiencia le permite trascender y encontrar su propio camino. La intensidad de su trabajo esta marcado por dos planos: el de su trabajo escénico y el de la historia intima que se entrega al publico como un ofrecimiento muy personal.
La sensación que se experimenta es la de estar pegado a sus asientos tocados por esta voz tan especial, mecidos y arrullados por ella. Son los pequeños raccontos o recuerdos que nos van llevando por este camino de iniciación, de conocimiento, de sabiduría. Esta gran energía nunca decae se mantiene firme hasta el final sorprendiéndonos con la canción del epilogo con una energía muy alta y una alta codificación sólo apta para nuestros sentidos.
OLOR A CAFÉ O QUE LE PASO A NUESTROS SUEÑOS
(IVAN GORDILLO - MEXICO)
Entre el stand up comedy y el unipersonal, Iván Gordillo nos presenta un espectáculo que parte de la vida cotidiana, fantasías y sueños de este actor para a través del humor negro, la ironía y el juego hacernos reír y pensar a más de uno. Tengo que confesar que tuve muy poco tiempo para mirar con ojo critico lo que veía pues esta vez sí le pusieron el cascabel al gato y; o disfrutaba lo que me ofrecía la propuesta de Iván o me la perdía; elegí la primera opción y no me arrepiento.
Olor a café solo adquiere su real dimensión en a escena final, en la que vemos al personaje en su juventud rebelde e iconoclasta que mas adelante se convertirá en uno mas del montón que ambiciona dinero, poder y posición. Contraste paradójico que a mas de uno entre risas abiertas habrá hecho reflexionar.
El actor se mueve en un escenario de poco elementos que se llena con la presencia del actor y sus múltiples transformaciones. Quizá un elemento que ralentaba el espectáculo era el uso de demasiados apagones. Los momentos mejores logrados los encontramos en la historia de este personaje – actor de boca de el mismo. El de menor logro se encuentra en el amigo artista que lo anima a hacer la película de su dramatica experiencia en el avión que se estrello.
Iván le habla al público y abre la caja de Pandora mostrando hasta su ultimo secreto, no guardándose nada ni siquiera sus reflexiones mas oscuras y escabrosas. La comedia nos muestra con todas nuestras imperfecciones como ante una lupa, haciendo de nosotros casi una caricatura puede hablarnos de todo sin el menor desparpajo y mientras reímos ya nos mandaron nuestra chiquita sin darnos cuenta ( nos zurraron); Gordillo hace eso “ sin querer queriendo” se va al otro extremo donde todo es posible y esta admitido y, nos revela nuestra indiferencia, superficialidad y ambición sin sentido.
El ritmo para ello es frenético, el actor se confiesa ante el publico, ventilando todo hasta aquello que es inconfesable es por ello la risa; el logra verbalizar aquello que nosotros solo guardamos en el pensamiento o en el corazón. Es allí donde radica el valor de esta puesta; porque en lugar de elegir la risa fácil, la identificación inmediata y una lectura simple; va mas allá y sin dejar el entretenimiento da una mirada al casi irremediable camino entre la rebeldía idealista y la realidad que sin concesiones te alinea en la cola de los divinos, exitosos y solitarios. ( Daisy Sanchez Bravo – 26/11/06)
Comentarios